Бразилия в Лондоне: как модернизм захватил искусство
Бразилия в начале XX века — это не только карнавалы, футбол и кофе, но и настоящий культурный вулкан. Именно об этом расскажет выставка «Brasil! Brasil! The Birth of Modernism», открывающаяся в лондонской Королевской академии искусств. Вас ждёт свыше 130 произведений от десяти известных бразильских художников, которые в своё время перевернули мир искусства с ног на голову. Эта выставка — как портал в мир яркой, пульсирующей Бразилии, где модернизм стал способом осмыслить её богатую и сложную культурную историю.
Прослушать статью можно по ссылке: https://youtu.be/4LUfaH-BcqY
Организаторы обещают полное погружение в атмосферу бразильского модернизма, который был уникальным явлением. Здесь не обошлось без влияния европейских авангардов, но это влияние смешивалось с богатейшими местными традициями: индейскими мотивами, африканской культурой и фольклором, принесённым иммигрантами. Бразильские художники не просто заимствовали формы и идеи, они перерабатывали их, создавая что-то своё — живое, яркое, полное энергии. Многие работы на выставке были взяты из частных коллекций, которые редко демонстрируются даже в самой Бразилии. Выставка предлагает уникальный шанс заглянуть в мир, который до сих пор остаётся малоизвестным за пределами Южной Америки.
От Аниты до Рубема: десять звёзд бразильского модернизма
На выставке представлены работы десяти выдающихся мастеров, чьи имена стали символами бразильского искусства. Одной из ключевых фигур стала Анита Малфатти, которую можно назвать крестной матерью бразильского модернизма. Она была первой, кто осмелился нарушить традиционные каноны академического искусства, внедряя яркие, экспрессивные цвета и смелую деформацию форм. Её творчество вызвало восторг среди прогрессивной публики, но также и бурю критики со стороны консерваторов, что только подогрело интерес к её фигуре. Анита стала своего рода мостом между европейским экспрессионизмом и уникальной бразильской эстетикой.

Anita Malfatti (1889-1964). Collection of Hecilda and Sérgio Fadel.
Другой не менее яркой звездой является Тарсила ду Амарал, имя которой известно далеко за пределами Бразилии. Тарсила привнесла в своё искусство уникальный подход, основанный на концепции «культурного каннибализма», предложенной её современником Освалдом де Андраде. Её работы, такие как знаменитая картина “Абапору”, стали символом нового бразильского модернизма. Эта картина, наполненная элементами местной мифологии и фольклора, символизировала национальное пробуждение в искусстве. Тарсила создавала произведения, которые сочетали в себе мощь авангардных идей и глубокую связь с бразильской природой, культурой и историей.

Tarsila do Amaral (1886–1973).
Среди других звёзд — Рубем Валентим, художник с глубокими африканскими корнями, чьи абстрактные работы вдохновлены религиозной символикой кандомбле. Его искусство словно соединяет материальный и духовный мир, рассказывая историю о культурной идентичности афробразильских общин. Валентим мастерски вплетал в свои картины символы, такие как трезубцы и луки, которые имеют сакральное значение в африканской культуре, что придавало его работам особую глубину и мощь.

Rubem Valentim (1922-1991).
Ещё одной выдающейся фигурой стал Флавио де Карвалью, новатор, опередивший своё время. Он не только писал картины, но и экспериментировал с перформансами, архитектурой и театром. Его самые известные работы выходили за рамки холста: он устраивал публичные акции, которые бросали вызов устоям общества. Одним из таких примеров стал его знаменитый эксперимент с традиционной одеждой, когда он в 1950-х годах предложил новый «тропический костюм» для мужчин, вызвав бурные дебаты.

Flávio de Carvalho (1899-1973). Art Collection of the City/Collection Supervision/CCSP/SMC/PMSP.
Каждый из этих мастеров уникален, и их творчество охватывает широкий спектр тем: от личной и национальной идентичности до философских размышлений о роли искусства в современном обществе. Их работы — это не просто отражение реальности, но и мощный инструмент для понимания сложной, многообразной и часто противоречивой бразильской жизни XX века.
Как начался бразильский модернизм?
Эта история началась в 1922 году, когда в Сан-Паулу прошла Неделя современного искусства — яркое и провокационное событие, которое стало поворотной точкой в истории культуры Бразилии. Организаторы, среди которых был богатый кофейный магнат Паулу Прадо, поставили своей целью бросить вызов консервативному искусству того времени. Выставки, поэтические чтения и музыкальные выступления стали настоящей сенсацией, вызвав как восторг у прогрессивной интеллигенции, так и бурю негодования среди консервативной публики. Это была неделя, полная страсти, споров и открытий, которая заложила основу для рождения нового художественного языка.
Одним из самых громких событий Недели стало участие Аниты Малфатти, чьи работы, вдохновлённые немецким экспрессионизмом, буквально перевернули представление о том, каким может быть искусство. Её картины, насыщенные яркими цветами и смелыми формами, шокировали публику. Один критик, представлявший традиционалистов, назвал её работы «болезненным проявлением испорченного вкуса», но для молодого поколения художников это стало сигналом к началу перемен.
Однако Неделя современного искусства включала не только живопись. Поэты, такие как Мариу де Андраде, декламировали свои модернистские стихи, а музыканты исполняли произведения, которые ломали привычные каноны. Даже сама атмосфера мероприятия была пропитана духом эксперимента и свободы. Это событие показало, что Бразилия готова отойти от европейских шаблонов и начать искать собственный путь в искусстве.

Vicente do Rego Monteiro (1899-1970).
Важной особенностью этой недели стало стремление объединить различные формы искусства. Например, экспозиция сочетала живопись, литературу и музыку, создавая целостное представление о том, каким может быть новое бразильское искусство. Многие из представленных работ и идей на Неделе впоследствии легли в основу концепции бразильского модернизма, который не просто заимствовал европейские влияния, но адаптировал их к реалиям Бразилии, её культуре и обществу. Это был первый шаг к созданию уникальной национальной идентичности в искусстве.
Манифест антропофагии: искусство как каннибализм
Одним из ключевых моментов бразильского модернизма стал Манифест антропофагии, написанный Освалдом де Андраде в 1928 году. Этот текст, на первый взгляд провокационный, предлагал радикальную идею: культурное «питание» Европой для создания нового, по-настоящему бразильского искусства. Каннибализм здесь понимался метафорически — как способ поглощения и переработки внешних влияний для создания чего-то уникального и местного. Это был не просто манифест, а философия, которая стала важнейшей частью национальной идентичности.
Главный принцип манифеста заключался в том, чтобы не отвергать европейскую культуру, но адаптировать её. Освалд де Андраде утверждал, что Бразилия, богатая своими природными ресурсами и культурным разнообразием, способна не просто заимствовать, но создавать своё. Эта идея была подкреплена выдающимися произведениями, такими как знаменитая картина «Абапору» Тарсилы ду Амарал. Картина стала знаковым примером антропофагического подхода: её странная, вытянутая фигура с непропорционально большими конечностями, сидящая под гигантским кактусом, выражала суть бразильской культурной трансформации. Название “Абапору” переводится с языка тупи-гуарани как «тот, кто ест людей», что идеально символизировало идею культурного поглощения.

Тарсила ду Амарал, вдохновлённая манифестом, создавала работы, которые были одновременно простыми и глубоко философскими. Её образы часто черпали вдохновение из местных мифов, народных сказок и фольклора. Например, солнечные и пасторальные пейзажи, которые она изображала, казались яркой смесью детской наивности и авангардных экспериментов. Её картины показывают, как модернизм может впитать в себя элементы традиционной культуры, переработать их и выдать что-то полностью новое.
Манифест антропофагии оказал влияние далеко за пределами живописи. Он вдохновил писателей, поэтов и музыкантов. Например, бразильский музыкальный жанр тропикалия, возникший несколько десятилетий спустя, черпал идеи из этого манифеста, смешивая традиционную музыку с роком, попом и другими современными стилями. Таким образом, манифест стал не просто культурной стратегией, но и мощным движением, которое продолжает формировать бразильскую идентичность и сегодня.
Работы Тарсилы и идеи Освалда были первыми шагами в движении, которое помогло Бразилии заявить о себе на мировой художественной арене. Это был вызов не только традициям, но и восприятию самого модернизма. Если в Европе модернизм чаще всего ассоциировался с отчуждением и урбанизацией, то в Бразилии он обрёл черты радости, цвета и глубокой связи с природой и культурой.
Народное искусство и модернизм
С развитием движения модернизм в Бразилии стал всё больше опираться на народные мотивы, которые отражали повседневную жизнь страны и её культурное многообразие. Такие художники, как Альфредо Волпи и Джанира, стали мастерами, которые возвели обыденные сцены и символы в ранг искусства. Их работы — это не просто картины, а настоящие визуальные рассказы о жизни бразильского народа.
Альфредо Волпи был самоучкой, чьи картины очаровывают своей простотой и яркостью. Он черпал вдохновение из народных праздников, особенно из «фестас юнинас» — традиционных июньских фестивалей. Его геометрические узоры, напоминающие разноцветные флажки, которые украшают улицы во время праздников, стали визитной карточкой его творчества. Эти флажки, словно парящие в воздухе, передают атмосферу радости и единства, которая царит в дни фестивалей. Кроме того, Волпи экспериментировал с текстурами и цветами, создавая картины, которые одновременно выглядят современно и по-домашнему уютно.

Alfredo Volpi (1896-1988).
Джанира (Джанира да Мотта) была художницей, чьё творчество проникнуто любовью к сельской жизни и её ритму. Её картины изображают сцены работы на полях, домашнего быта, религиозных обрядов и других аспектов деревенского уклада. Её стиль отличается яркой палитрой и упрощёнными формами, которые, тем не менее, сохраняют глубокую эмоциональную насыщенность. В её работах чувствуется искреннее восхищение тем, как люди живут в гармонии с природой, а также тонкая нотка ностальгии по исчезающему миру деревенской Бразилии.

Djanira (1914-1979)
Эти художники доказали, что искусство может быть одновременно простым и глубоким, не требуя излишней вычурности. Их работы соединяют традиции с новаторством, показывая, как богатство народной культуры может стать основой для модернистских экспериментов. Волпи и Джанира словно напоминают зрителям о том, что подлинная красота кроется в повседневных моментах жизни, а национальная идентичность может быть выражена через самые простые, но важные символы и образы.
Бразилия в поисках идентичности
В XX веке Бразилия была страной огромных социальных контрастов и культурного многообразия. Это нашло отражение в искусстве модернизма. Художники исследовали свои корни, обращались к наследию индейских культур, африканским традициям и даже иммигрантским историям. Работы Рубема Валентима, например, наполнены символами африканских религий, таких как кандомбле. Они напоминают о том, что Бразилия — это место, где сплелись множество культур.

Rubem Valentim, (1922-1991).
Политика, искусство и прогресс
Модернизм в Бразилии неразрывно связан с эпохой великих перемен. В 1950-60-х годах страна переживала настоящий культурный ренессанс: музыка босса-нова, кинематограф «Синема ново» и даже строительство нового города — столицы Бразилиа. Искусство стало способом выразить надежды и противоречия этой эпохи. Однако с военным переворотом 1964 года многие из этих надежд были разрушены, что тоже отразилось в искусстве.
Историческая связь с Лондоном
Выставка в Лондоне имеет глубокие исторические корни. В 1944 году, в разгар Второй мировой войны, бразильское правительство организовало инициативу, которая стала символом солидарности и культурного обмена между двумя странами. Художники со всей Бразилии, включая таких мастеров, как Кандидо Портинари и другие пионеры модернизма, пожертвовали свои работы для выставки в Великобритании. Эта выставка не только помогла собрать средства для Королевского воздушного флота, но и открыла британцам новый художественный мир, полный яркости, цвета и символизма.

Эта первая выставка стала знаковым событием, поскольку многие из представленных работ были приобретены музеями и галереями Великобритании, где они остаются по сей день. Она позволила британской публике впервые увидеть произведения, в которых традиционные бразильские элементы переплетались с влиянием европейского авангарда. Это было уникальное окно в культуру, о которой до того момента знали лишь немногие.
Текущая выставка, «Brasil! Brasil! The Birth of Modernism», не просто возрождает эту традицию культурного обмена, но и расширяет её. Она представляет широчайшую палитру бразильского искусства, включая работы из частных и общественных коллекций, которые редко покидают границы своей родины. Это не только художественное событие, но и жест признательности за историческую связь, установленную в тяжёлые времена войны. Теперь же, спустя десятилетия, Лондон снова становится площадкой для диалога культур и открытий.
Почему стоит пойти на выставку?
Эта выставка — не просто шанс увидеть редкие произведения искусства. Это возможность понять, как искусство может отразить дух времени и место, где переплетаются культура, история и инновации. Это путешествие в яркую, энергичную Бразилию, где искусство становится мостом между прошлым и будущим. Если вы хотите открыть для себя что-то новое и вдохновляющее, то эта выставка точно для вас!

Brasil! Brasil! The Birth of Modernism
Royal Academy
28 января – 21 апреля 2025